Música en el Renacimiento

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La música en el Renacimiento era una parte esencial de la vida civil, y religiosa. El rico intercambio de ideas en Europa, como los sucesos políticos, económicos y religiosos en el periodo 1400 a 1600 en base a algunas características del barroco dieron sitio a importantes cambios en los estilos de composición, los métodos de difusión de la música, los nuevos géneros musicales, y el desarrollo de instrumentos. La música más esencial del primer Renacimiento fue compuesta para ser usado por la iglesia-polifónica (compuesto de múltiples armonías simultáneas) misas y motetes en latín para esenciales iglesias y capillas de la corte. A fines del siglo XVI, no obstante, el patrocinio se dividió entre muchas áreas: la Iglesia Católica, las iglesias protestantes y los tribunales, apasionados ricos, y la impresión a toda la música eran las fuentes de ingresos para los músicos. A principios del siglo XV fue dominado en un inicio por el Inglés y músicos europeos del norte.

Impresión de la musica instrumental en el renacimiento

En Francia, Alemania, Inglaterra, y en otros países. Ya antes de 1501, toda la música en el renacimiento debía ser copiada a mano o bien aprendido de oído; libros de música eran propiedad exclusiva de los establecimientos religiosos o bien cortes exageradamente ricas y los hogares. Tras Petrucci, al tiempo que estos libros no eran económicos, se hizo posible para un número considerablemente mayor de personas que tienen que aprender a leer música.

El Periodo Renacentista

Prácticamente al tiempo, la tecnología de instrumentos condujo al desarrollo de la viola da gamba. Una con trastes, se inclinó instrumento de cuerda. músicos europeos apasionados de medios acometió la flauta, como el laúd, la grabadora, el clave,  el organo barroco y otros instrumentos. La viola de gamba y la grabadora se jugaron juntos en consortes o bien conjuntos, y para facilitar esto frecuentemente se genera en las familias o bien en conjuntos, con diferentes tamaños que juegan las distintas líneas. Publicaciones de Petrucci y otros proveen estos jugadores por vez primera con la música anotada (en contraposición a la música improvisada que desempeñan los instrumentistas profesionales). El siglo XVI fue testigo del desarrollo de la musica instrumental del renacimiento como la canzona, ricercare, fantasia, alteraciones, y las composiciones de danza inspirado en contrapunto, tanto para solistas y conjuntos, como un género realmente diferente y también independiente con sus modismos separado de formas vocales y práctica acompañamiento al baile.

Los instrumentos representados en el estudio del duque Federico da Montefeltro de Urbino (1479-1482) representan tanto su interés personal en la música y el papel de la música en la vida intelectual de un hombre del Renacimiento educado. Los instrumentos se ponen al lado de múltiples instrumentos científicos, libros y armas, y que incluyen un órgano portátil, laúdes, violín, cornetti, un cuerno de caza,una flauta, tambor, un anillo de harpa, tintineo, un rabel y una lis.

Desde 1520 hasta finales del siglo XVI, los músicos de toda Europa emplean el lenguaje polifónico de la generación de Josquin en la exploración de la expresión musical mediante la canción francesa, el madrigal italiano, el tenorlieder alemán, el villancico de España, y la canción Inglés, como en la música sagrada.

la Reforma y contrarreforma afectó de manera directa a la polifonía sagrada de estos países. Las revoluciones protestantes (sobre todo en el norte de Europa) cambiaron en sus actitudes cara la música sagrada, con lo que dichos cambios arte como la introducción de himnos parcialmente simples en idioma alemán (o bien corales) cantadas por la congregación de los servicios luteranas. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525/26-1594), profesor de capilla en la Cappella Giulia al lado de San Pedro, en la ciudad de Roma, es visto por muchos como el icónico músico alto renacimiento de la Contrarreforma música sagrada, que cuenta con líneas claras, una pluralidad de texturas, y una reverencia musicalmente expresiva de sus textos sagrados. El inglés (y católico) músico William Byrd (1540-1623) a horcajadas sobre los 2 mundos, componiendo obras-mandado mensajes de texto latino para la Iglesia Católica.c

La musica en el renacimiento y los humanistas del siglo XVI estudiados

Viejos tratados helenos sobre la música que discute la angosta relación entre la música y  poesía, de qué manera la música podría agitar las emociones del oyente. Inspirado por el planeta tradicional, renacentista músicos palabras de ajuste y la música juntos de una forma poco a poco más trágica, como se ve en el desarrollo del madrigal italiano y después de las obras de ópera de Claudio Monteverdi (1577-1643). La adaptación del renacimiento de un músico cantando y acompañándose con un instrumento de cuerda, una alteración sobre el tema de Orfeo, aparece en obras de arte del Renacimiento como Caravaggio, y Tiziano’s Venus y el jugador del laúd.

Caracteristicas de la musica del renacimiento

La musica en el renacimiento es similar a la música medieval. Esto es porque se producen una serie de cambios distintos, de los cuales podemos destacar los siguientes algunas caracteristicas de la musica renacentista:

La musica durante el periodo del renacimiento

Desarrollo de la técnica polifónica, La polifonía alcanzó alta complejidad la musica en el Renacimiento, el uso generalizado de los grupos lingüísticos con diferentes tesituras y timbres. Durante este periodo, ya podemos hablar de las 4 voces que llegaron hasta estos dias (bajo, soprano, alto y tenor ). En el ambito polifónico, 2 técnicas de composición son las que se distinguen: una homofonica (donde se manera homogénea se mueven las voces) y otra contrapuntista (en donde la voz  de manera independientemente se mueve).

Reemplazo del ritmo irregular: Debido a la gran complejidad de la polifonía, que es una de las es una de las características de la musica del renacimiento, los sistemas de clasificación deben ser desarrollados en términos métricos, esto hace que se descarte el ritmo libre gregoriano, para marcar una medidas firmes de música, en donde los tiempos de las duraciones de los sonidos sean completamente absolutas.

Los cambios de armonía: Compositores comienzan a presentar sus trabajos en la voz de los terceros de distancias superpuestas que no fueron utilizados en la Edad Media. Este uso de la tercera serán los correctos antecedentes nuestro actual sistema de sonido

La música en los periodos del renacimiento

El periodo del Renacimiento musical comprende los siglos XV y XVI, dentro de este podemos destacar 3 etapas importantes:

Primer Renacimiento

 Inicia en la primera mitad del siglo XV. También es nombrado como el periodo franco-flamenco, gracias a que los duques de Borgoña actuaron como mecenas de un grupo de grandes personajes, que se convertirán en los artistas más importantes de aquella época. Entre los más destacados compositores podemos nombrar a Dufay, Ockeghem. Después la gran mayoría de música de estos grandes autores será religiosa (motetes y misas). Durante este Primer periodo del Renacimiento será muy popular la técnica compositiva llamada contrapunto imitativo, que lo que hace es tratar de proyectar un tema ó motivo repetidamente entre las voces distintas.

Alto Renacimiento

Comprende entre la segunda mitad del siglo XV, y la primera mitad del siglo XVI. Músicos franco-flamencos repartidos por toda Europa, cada país dan la bienvenida la nueva música y se adapta a su estilo de composición. Por lo tanto, se crean los llamados estilos nacionales. En Italia, el genero mas cautivador fue el madrigal, en Francia centra el desarrollo mas popular en el chanson y en Alemania el lied fue elque mas auge tuvo.

Bajo Renacimiento

Se desarrolla en la segunda mitad del siglo XVI. Italia es el país más importante de la música en el renacimiento, las innovaciones más interesantes entran en la música profana; Sin embargo, los dos personajes más notables de la música son Giovanni Pierluigi de Palestrina y Tomás Luis de Victoria (español). Los géneros más importantes son la misa y el motete. En este tiempo, también debemos destacar al italiano Claudio Monte Madrigal (escribió 8 tratados) y es crucial para el nacimiento de la ópera Orfeo en 1607.

Instrumentos del renacimiento musical

Muchos instrumentos se originaron desde el periodo del Renacimiento; otros eran cambios o mejoras, instrumentos que existían antes. Algunos han llegado hasta nuestros días; otros han desaparecido y han sido re-creados para realizar la música de esa época en las carpetas públicas. Al igual que en los tiempos modernos, los instrumentos del renacimiento musical pueden clasificarse como latón, cuerdas, percusión y de viento de madera.

Instrumentos de vientos:

Chirimía. Formado con un tubo de madera y una lengüeta doble (muy parecido a los oboes pero de un tamaño mayor).  Los tubos fueron también más comúnmente hechos de madera y muchos de ellos tenían tallas y decoraciones . Fue el más popular de instrumentos de lengüeta doble del período de renacimiento.

La flauta es una de los instrumentos de la música renacentista mas populares

Flauta dulce o flauta de pico. Actualmente se utiliza el mayoría de los casos con fines educativos; fue de los instrumentos del renacimiento más populares.

Cromorno. Este instrumento es de madera, de una lengüeta doble (como la dulzaina) que termina con la forma de U.

Gaita. Se cree que fue inventado por los pastores que pensaban utilizar una bolsa hecha de oveja o de cabra piel y proporcionaría la presión de aire de modo que cuando su jugador toma una respiración, el jugador sólo tiene que apretar la bolsa escondido debajo de su brazo para continuar con el tono. El tubo de la boca tiene una sencilla pieza redonda de cuero giraba en torno al extremo de la bolsa de la tubería y actúa como una válvula de retención. La caña está situado dentro de la boquilla de metal largo, conocido como un bocal.

Grabadora. El registrador es un instrumento común que todavía se utiliza hoy en día, a menudo se enseña a los niños de las escuelas primarias. En lugar de una caña que utiliza una pieza de boca silbato, que es una pieza de la boca en forma de pico, ya que su fuente principal de producción de sonido. Se hace generalmente con siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar.

Percusión

Pandereta. Fue originalmente un tambor de marco sin los jingles unidos al lado. Este instrumento se desarrolló pronto y tomó el nombre de pandereta durante las cruzadas medievales, momento en el que adquirió los jingles. Se encuentra a menudo con una sola piel, ya que seo hizo fácil para un bailarín para que lo pueda tocar.

Arpa de judio. Un instrumento prohibido debido a su construcción de la plata, y debido a la gran demanda de plata del siglo XIX en Austria esto era otra razón para su ilegalización. Un instrumento de acero que produce sonido usando formas de la boca y de intentar pronunciar las vocales diferentes con los labios.

Laton

Diapositiva trompeta. Similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de una sección del cuerpo deslizante sólo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la propia boquilla, es estacionaria.

Corneta. Hecha de madera y jugó como la grabadora  pero soplado como una trompeta. Se hace comúnmente en varios tamaños; el mayor se llamaba la serpiente. La serpiente se convirtió en prácticamente la única corneta utilizada en los principios del siglo XVII, mientras que otros rangos fueron reemplazados por el violín. Se dice que es el instrumento del renacimiento más cercano a la voz humana con la capacidad de utilizar la expresión y dinamica.

Trompeta. Las primera no tenían válvulas.

El cromorno es uno de los instrumentos del renacimiento

se limitaron a los tonos presentes en la serie de armónicos. También se hicieron de tamaños diferentes. Aunque comúnmente se muestran siendo utilizado por los ángeles, su uso en las iglesias era muy limitado, una excepción destacable es la música de la escuela veneciana.

Instrumentos de cuerda

Violin. Este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene 6 cuerdas. Se toca por lo regular con un arco. Tiene cualidades estructurales similares a la vihuela española; su principal característica de separación es su tamaño más grande.

Laúd. Se puede referir generalmente a cualquier instrumento de cuerda que tiene las cuerdas que se ejecutan en un plano paralelo a la mesa de sonido, más específicamente a cualquier instrumento de cuerda pulsada con un cuello (ya sea trastes o sin trastes) y una profunda, redonda, o más específicamente a un instrumento de la familia de los laúdes europeos.

Lira. Su construcción es muy parecida a una arpa pequeña, pero se tocaba con una púa. Sus cuerdas variaban dependiendo de la epoca 4, 7 o 10. Se tocaba con la mano derecha, mientras que la mano izquierda silenciada las notas que no se deseara. liras nuevas fueron modificados para ser tocadas con un arco.

Violin de rueda o Zanfona. En la que las cadenas se sonaban por una rueda pasan sobre de ella. Su funcionalidad se puede comparar con la de un violín mecánico, en el que su proa (la rueda) es girado por una manivela.

Arpa irlandesa o Cláirseach. Durante la Edad Media fue el instrumento más popular de Irlanda y Escocia. Debido a su importancia en la historia de Irlanda se ve incluso en la etiqueta de Guinness, y es el símbolo nacional de Irlanda hasta el dia de hoy.

Teoría y notación

Las composiciones del Renacimiento estaban escritas únicamente en partichelas; las partituras generales eran muy raras, y las barras de compás no se usaban. Las figuras eran generalmente más largas que las usadas en nuestros días; la unidad de pulso era la semibreve, o redonda. Como ocurría desde el Ars Nova cada breve (cuadrada) podía equivaler a dos o tres semibreves, que podría ser considerada como equivalente al compás moderno, aunque era un valor de nota y no un compás. Se puede resumir de esta forma: igual que en la actualidad, una negra puede equivaler a dos corcheas o tres que se escribirían como un tresillo.

En la misma lógica se puede tener dos o tres valores más cortos de la siguiente figura, la mínima (equivalente a la moderna blanca) de cada semibreve. Estas diferentes permutaciones se denominan tempus perfecto/imperfecto según la relación de breve-semibreve y prolación perfecta/imperfecta en el caso de la relación semibreve-mínima, existiendo todas las combinaciones posibles entre uno y otro. La relación tres-uno se llamó perfecta y la dos-uno imperfecta. Para las figuras aisladas existían reglas que reducían a la mitad o doblaban el valor ("imperfeccionaban" o "alteraban" respectivamente) cuando estaban precedidas o seguidas de determinadas figuras. Las figuras con la cabeza negra (como las negras) eran menos habituales. Este desarrollo de la notación mensural blanca es el resultado de la popularización del uso (sustituyendo al pergamino) del papel, más débil y que no permitía el rasgado de la pluma para rellenar las notas. La notación de la época precedente, escrita en pergamino, era negra. Otros colores, y más tarde, el relleno de las notas (ennegrecimiento) fueron usados para indicar imperfecciones o alteraciones, etc.

Compositores del Renacimiento

Videos:

Bibliografía:
http://musica-barroca.com/en-el-renacimiento/
http://caminodemusica.com/renacimiento/musica-del-renacimiento
https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Renacimiento
https://csociales.wordpress.com/2013/07/16/la-musica-del-renacimiento/