Christopher Acosta "Historia de la música": Música en el Barroco

La Musica Barroca Caracteristicas, Historia, Sonidos

Es un arte con estilo musical europeo, muy relacionado con la famosa época cultural homónima, que inicia con el nacimiento de la ópera alrededor 1600 hasta la muerte del gran compositor Sebastian Bach, en el año de 1750.

¿Qué es “barroco”, y cuando era la época barroca?

Deriva del portugués barroco, o “perla de forma irregular”, el término “barroco” ha sido ampliamente utilizado desde el siglo XIX para describir el período de la música de arte de Europa occidental desde aproximadamente 1600-1750. La comparación de algunas de las mayores obras maestras de la historia de la música a una perla deforme podría parecer extraño para nosotros hoy en día, pero a los críticos del siglo XIX que aplicaron el término, la música de la era del gran JS Bach, Henry Purcell, Frideric Handel sonaba excesivamente ornamentada y exagerada. El “barroco” es ahora simplemente un cómodo cajón de sastre para uno de los periodos más ricos y diversos de la historia de la música.

Además de la producción de la música europea más temprana familiar para la mayoría de nosotros, incluyendo Canon de Pachelbel y de Antonio Vivaldi Las cuatro estaciones. La época barroca también se expandió en gran medida nuestros horizontes. La aceptación de la teoría de Copérnico del siglo XVI que los planetas no giran alrededor de la tierra hizo el universo un lugar mucho más grande, mientras que el trabajo de Galileo nos ayudó a conseguir un mejor conocimiento de los cosmos. Naciones europeas crecieron más y más involucrados con el comercio exterior y la colonización, nos trae en contacto directo con las partes del mundo que antes eran desconocidos. Y el crecimiento de una nueva clase media dio vida a una cultura artística depende mucho de los caprichos de la iglesia y el corte.

Caracteristicas del barroco

Existen 7 diferentes caracteristicas del barroco las cuales son, la pintura, arquitectura, escultura, musica, danza, teatro y literatura.

La música barroca

Una de las caracteristicas del barroco más importantes fue la música ya que este periodo destacó por ser en el que hubo grandes cambios en este arte. y seguido la música barroca se clasifica en 3 fases barroco primitivo medio y tardío teniendo las propias matices en cada periodo. La música barroca se representó por géneros como las sonatas óperas y sinfonías.

Es durante este periodo dónde surgen diferentes géneros musicales que en la actualidad se les conoce como clásicos; las cantatas, sonatas, óperas, suits y oratorias.

Durante el Barroco aparece la orquesta en donde se predominan los instrumentos de cuerda como el violín, viola y violonchelo, a los cuales se fueron añadiendo otros instrumentos de Viento y percusión.

Es de esa época el manejo del bajo continuo, siendo interpretado mayormente por uno o más instrumentos Melódicos graves como la viola el fagot y violonchelo añadiendo instrumento armónico para las acordes cómo el arpa, laúd, clave un órgano.

Durante el barroco se dio el desarrollo de la armonía tonal en la cual queda subordinada a los acordes y el ritmo de la armonía es rápido cambiando muy frecuentemente de acordes. Sobresaliendo por los fuertes constantes sonoros entre instrumentos de Cuerda viento percusión coro o un solista y orquesta.

¿Cuál es la filosofía de la musica en el barroco?

Aunque una sola filosofía no puede describir 150 años de música de toda Europa, varios conceptos son importantes en el período barroco.

Una creencia en la música como un potente instrumento de comunicación

Una de las principales corrientes filosóficas de la música barroca proviene del interés del renacimiento en las ideas de la antigua Grecia y Roma. Los griegos y romanos creían que la música era una herramienta poderosa de comunicación y podría despertar alguna emoción en sus oyentes. Como resultado de la reactivación de estas ideas, los compositores se hicieron cada vez más conscientes de la energía potencial de la música, y la creencia de que cultivan sus propias composiciones podrían tener efectos similares si bien emulados música antigua. Como Francés erudito humanista Artus Thomas describió una actuación a finales del siglo XVI, a menudo he oído decir de Sieur Claudín Le Jeune (que tiene, sin ánimo de leve a nadie, superó con creces los músicos de edades más allá de su comprensión de estos asuntos) que había cantado el aire (que él había compuesto en partes) … y que cuando este aire se ensayó en un concierto privado que causó un caballero hay que poner la mano a las armas y comenzar jurando en voz alta, por lo que parecía imposible para evitar que él de atacar a alguien: después de lo cual comenzó a cantar otra Claudín aire … que dictó el caballero tan tranquilo como antes. Esto ha sido confirmado para mí ya por varios de los que estaban allí. Tal es el poder y la fuerza de la melodía, el ritmo y la armonía de la mente.

Las realidades de patrocinioEn 1605, el compositor italiano Claudio Antonio Monteverdi definido en realidad una “primera” y “segunda” la práctica: en la primera, la armonía y el contrapunto prevalecen sobre el texto; en el segundo, la necesidad de expresar el significado de las palabras superó cualquier otra preocupación. En el barroco, que es el espíritu de la práctica, utilizando el poder de la música para comunicar, que llegó a dominar la era segundo.

Cualquier discusión de la filosofía artística de un compositor barroco deben ser moderadas, al menos ligeramente, por la realidad de sus vidas. En los tiempos modernos, los artistas ganan con frecuencia la vida produciendo exactamente el tipo de arte que se mueven a crear. En consecuencia, a menudo pensamos en el artista y el grado de su inspiración artística-como el punto de partida para una obra de arte. A lo largo de gran parte de la época barroca, sin embargo, compositores solamente se ganaban la vida escribiendo música si eran lo suficientemente afortunado de estar en la nómina de una institución política o religiosa. Las necesidades musicales de la institución, por lo tanto, dictaron la música produjo el compositor. JS Bach escribió el número de cantatas lo hizo, por ejemplo, no necesariamente porque encontró la forma de inspiración, pero debido a las exigencias litúrgicas de la iglesia de Leipzig que lo empleaba. Cuando se ve en esta luz, la música barroca puede proporcionar una ventana fascinante a la historia.

¿Cuáles son las características de la música del barroco?

El nuevo interés en las posibilidades dramáticas y retóricas de la música dio lugar a una gran cantidad de nuevos ideales de sonido en el período barroco.

Contraste como elemento dramático

Contraste es un ingrediente importante en el drama de una composición barroca. Las diferencias entre los fuertes y suaves, solistas y de grupos (como en el concierto), diferentes instrumentos y timbres todos juegan un papel importante en muchas composiciones barrocas. Los grandes compositores del barroco también comenzaron a ser más preciso sobre la instrumentación, a menudo especificación de los instrumentos en los que una pieza debe ser reproducido en lugar de permitir que el intérprete para elegir.Instrumentos brillantes como la trompeta y el violín también crecieron en popularidad.

Monodia y el advenimiento del bajo continuo

En épocas musicales anteriores, una pieza de música tienden a consistir en una sola melodía, tal vez con un acompañamiento improvisado, o varias melodías que se tocan simultáneamente. No fue hasta la época barroca hizo el concepto de “melodía” y “armonía” realmente comenzar a articularse. Como parte del esfuerzo para imitar la música antigua, los compositores comenzaron a centrarse menos en la polifonía compleja que dominó los siglos XV y XVI, y más en una sola voz con un acompañamiento simplificado, o monodia. Si la música es una forma de retórica, como los escritos de los griegos y romanos indican, un poderoso orador es necesario, y quién mejor para el trabajo de un solista vocal? La nueva fusión entre la expresión de los sentimientos y el cantante solista vienen con fuerza y claridad en Monteverdi prefacio ‘s de la Combattimento di Tancredi e Clorinda de su Octavo Libro de Madrigales (1638), en el que escribe: “Se me ha parecido lo que los principales pasiones o afectos de nuestra mente son en número de tres, a saber, la ira, la ecuanimidad y la humildad. Los mejores filósofos están de acuerdo, y la naturaleza misma de nuestra voz, con sus gamas altas, bajas y medias, indicarían como mucho. “Las primeras óperas son una excelente ilustración de esta nueva estética.

Debido a que el bajo continuo, o bajo continuo, seguido siendo una práctica habitual hasta el final del período barroco, la época se conoce a veces como la “edad del bajo continuo.”Junto con el énfasis en una sola línea de la melodía y el bajo llegó la práctica del bajo continuo , un método de notación musical en la que la melodía y la línea de bajo se escriben y el relleno armónico indica en un tipo de taquigrafía. A medida que el músico italiano Agostino Agazzari explicó en 1607: Desde el verdadero estilo de expresar las palabras, por fin se ha encontrado, a saber, mediante la reproducción de su sentido de la mejor manera posible, lo que tiene más éxito con una sola voz (o no más de unos pocos ), como en los aires modernos por varios hombres capaces, y, como es la práctica constante en Roma en la música concertada, digo que no es necesario hacer una puntuación … un Bass, con sus indicaciones para las armonías, es suficiente. Pero si alguien me dijera que, para la reproducción de las obras antiguas, llenas de fuga y contrapunto, un Bass no es suficiente, mi respuesta es que las obras vocales de este tipo ya no están en uso.

Diferentes sonidos instrumentales

Después de ser ignorada por décadas, la musica del barroco se ha convertido cada vez más popular en los últimos 50 años. Como parte de este nuevo interés, estudiosos y músicos han pasado horas y horas tratando de averiguar cómo la música podría haber sonado a las audiencias siglo XVII y XVIII. A pesar de que nunca seremos capaces de recrear una actuación precisa, su trabajo ha descubierto varias diferencias importantes entre el barroco y conjuntos modernos:

terreno de juego: En 1939, orquestas modernas acordó sintonizar un ‘= 440 Hz (la nota A lanzó a 440 ciclos por segundo), que sustituyó a un terreno de juego con anterioridad inferior (a’ = 435Hz), aprobada en 1859. Antes de 1859, sin embargo, no había hay un estándar de tono. La nota a la que los conjuntos barrocos sintonizados, por lo tanto, varía ampliamente en diferentes momentos y en diferentes lugares.Como resultado, la música escrita en una puntuación podría haber sonado tanto como un medio tono más bajo que la forma en que tradicionalmente se lleva a cabo hoy en día. En un esfuerzo para permitir de esta discrepancia, muchos conjuntos barrocos ajustan su sintonía con el repertorio que se realiza: a ‘= 415Hz para la música del barroco tardío, a’ = 392Hz para la música francesa, a ‘= 440Hz para la música italiana temprana y A’ = 430Hz para el repertorio clásico.

timbre: Si bien la mayoría de los instrumentos en un conjunto barroco están familiarizados, hay varios miembros prominentes ya no aparecen en los conjuntos modernos. La clave era el principal instrumento de teclado (y un importante miembro del grupo continuo), y los instrumentos importantes en los siglos 16 y 17, como el laúd y la viola , todavía se siguió utilizando. Las variaciones en los instrumentos todavía populares hoy en día también dieron la Baroque Ensemble un sonido diferente. Instrumentos de cuerda como el violín, viola y cello utilizan cuerdas de tripa en lugar de las cuerdas envueltas en metal con el que se encadenan hoy, por ejemplo, dándoles un tono más suave, más dulce.

técnica de ejecución: Una puntuación barroca contiene poca (o ninguna) información sobre elementos como la articulación, la ornamentación o la dinámica y conjuntos tan modernos necesitan para tomar sus propias decisiones informadas antes de cada función. Diferencias mecánicas entre barroca y los instrumentos modernos también sugieren que los instrumentos más antiguos habrían sonado diferente, así como conjuntos de música del barroco a menudo ajustar su técnica para permitir esto. Debido a que los arcos barrocos y modernos son estructuralmente diferentes, por ejemplo, jugadores de la secuencia utilizando arcos modernos a menudo usan un ataque más suave en la cadena y crescendos y diminuendos en notas más largas. 17 y tratados rendimiento del siglo 18 también implican que Bend (una técnica en la que un jugador de la secuencia mece su dedo sobre la cuerda para enriquecer el tono) fue utilizado con moderación para momentos expresivos, mientras que el vibrato arco (un movimiento ondulante de la proa) generalmente se prefiere.

Etapas y evolución

El Barroco temprano (1580-1630)

Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las novedades principales:

Se empieza a dar valor afectivo y violento a las palabras a través de la música. Se busca la disonacia. Las obras son todavía de poca extensión. Comienza la diferenciación entre musica vocal e instrumental.
La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana (Giovanni Gabrieli), consistente en la alternancia entre diversos grupos vocales o instrumentales situados en diversas ubicaciones (cori spezzati, típicos de la Basílica de San Marcos). Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que se contrastan instrumentos contra voces (como en losconcerti ecclesiastici), o solistas contra el conjunto general.

La monodia acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical. Su acompañamiento instrumental se escribía de forma taquigráfica como bajo continuo. La Camerata Florentina fue decisiva en la difusión de esta monodia acompañada, cuyo objetivo, poner a la música como sierva de la palabra, finalmente cristalizó en la ópera; por ello les interesaba imitar la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara: Vincenzo Galilei, padre del astrónomo Galileo, escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Musica Antica e della Moderna. Sus nuevos géneros musicalesrecitativo, espressivo y representativo utilizaban además nuevas libertades en disonancias y modulaciones (seconda prattica).

En ese contexto artístico aparece la figura del cremonés Claudio Monteverdi. Maestro del stile antico (aplicado al polifónico género madrigal) y del stile moderno (la monodia acompañada), daría forma a esa recién creada ópera. En paralelo a ella se desarrolló el oratorio religioso, gracias a la influencia de Felipe Neri.

El Barroco medio (1630-1680)

El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodia y del estilo concertante. Mientras tanto, en Italia autores como Cesti, Francesco Cavali y Luigi Rossi, suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos. La ópera francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en el mismo tiempo y lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe, fagot, flautas travesera y de pico...) y en que se fijaba la suite instrumental francesa.

En el norte de Italia (Módena, Venecia y, sobre todo, la escuela boloñesa) la música instrumental sienta las bases de la tonalidad y de las formas del Barroco tardío. Autores como Legrenzi, Cazzati, Alessandro Stradella o Vitali convierten la vieja canzona en la nueva sonata en trío, de acusado carácter virtuoso y contrapuntístico.

Es la época de la Ópera y la Cantata.

El Barroco tardío (1680-1730)

El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el país que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están:

Las formas adquieren dimensiones largas.
Aparece el estilo Concerto, ya bien constituido, y con ello el énfasis en el ritmo mecánico.
La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa (Torelli) y más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal, progresiones con movimiento de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta...

La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo...
La música instrumental domina a la vocal.

La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias (hasta la tardía querella de los bufones), y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos, como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano.

Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia, G.F. Händel en Inglaterra, J.S. Bach y G.P. Telemann en Alemania, J.P. Rameau en Francia y Domenico Scarlatti, español de adopción.

La transición al Clasicismo (1730-1750)

A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental (Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de pre clasicismo. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre de la sonata clásica.